Eine Sommerausstellung in Zusammenarbeit mit der Galerie Meyer Kainer, Wien

Die Villa Rainer, ehemals Epstein Villa in Baden ist der erste große Profanbau Otto Wagners.

Nach ihrer gelungenen Restaurierung erstrahlt sie im alten Glanz eines Sommersitzes aus der

Zeit Arthur Schnitzlers. Anlässlich der Fertigstellung findet nun die erste Sommerausstellung

statt. Diese versammelt unter dem Motto „Inspired by Nature, Landscape, Women“ 15 inter-

national renommierte Künstler und Künstlerinnen. Das Motiv entspringt einem Bild des

polnischen Malers Marcin Maciejowski, welches sich auf Manets „Le déjeuner sur L’herbe“ (1862/63)

bezieht und eine romantische Seite der Villa zum Klingen zu bringen scheint. Regelmäßig widmet

sich Maciejowski in seinen Arbeiten den gesellschaftlichen Bedingungen der Bohème und Fragen

der eigenen Befindlichkeit als Künstler als Mitglied derselben. Oft greift er dabei auf historisches

Material aus Film- (Romy Schneider) und Kunstgeschichte (Manet) zurück, um damit den aktuel-

len Status der künstlerischen Avantgarde zu untersuchen. „Can`t You be more radical? Paint

something abstract, like patterns“ bezieht sich eigentlich auf das simple Abstraktions-

Schema eines profanen Fischgräten-Parketts und durchzieht leitmotivisch gleichzeitig als offene

Frage die gesamte Ausstellung: die Frage nach dem aktuellen Stand des Konflikts zwischen

Realismus und Abstraktion. Ist Kunst jemals in der Lage etwas anderes abzubilden, als sich selbst?

Sind abstrakte Strukturen in höherem Maße als realistische Gemälde geeignet, Landschaft

darzustellen oder Natur-Metaphern, Raum-Illusionen oder gar literarische oder musikalische

Schöpfungen?

Gerade in der ländlichen Idylle, umgeben von der „spinatgrünen Erhabenheit der Natur“, wie

Doderer dies einst despektierlich nannte, kristallisiert sich der Kontrast zwischen Kunst und

Natur mit aller Deutlichkeit heraus: „Ich möchte versuchen, mit meinen Skulpturen die Natur

zu demütigen“ hat Franz West einmal spitzbübisch erklärt… Die Ausstellung versucht diesem

Gedanken unter den verschiedenen Aspekten der zeitgenössischen Kunst neue Facetten

abzugewinnen.

Künstlerinnen wie Amelie von Wulffen, Martina Steckholzer, Isa Schmidlehner und Katrin

Plavcak betreiben einen furiosen Stilwechsel nicht nur in ihrer Werkfolge, sondern auch innerhalb

ihrer Bilder, die oft wie Collagen aus historischen Versatzstücken wirken. Bei Amelie von Wulffen

begegnen barocke Bildelemente zeitgenössischen Figuren, Löwen von Eugéne Delacroix treffen

auf Pferde von Pablo Picasso, eine Seelandschaft von Gustave Caillebotte bildet den Hintergrund für

ein Portrait von Van Gogh. Historische Figuren, wie in einem Gemälde von Isa Schmidtlehner, das

eine Neuinterpretation der Dame de Monde Sonja Knips von Gustav Klimt darstellt, und litera-

rische Fiktionen, wie das „Herz der Finsternis“ in Katrin Plavcak’s Bild, das auf dem berühmten

Roman von Josef Konrad basiert, treten in Verbindung, geraten durcheinander und spielen auf den

fortgesetzten Dialog zwischen Kunst und Natur, aber auch dessen politische Komponente an. Am

Beginn der Moderne stand der Impressionismus, für die meisten heute die wohl am besten

gelungene malerische Umsetzung von Naturwahrnehmungen. In der Tat verdankte dieser

aber seine Existenz zuallererst den technischen Errungenschaften der Webtechnik. Die Bedeutung

von Kette und Schuss, der strukturelle Aspekt industrieller Technik war letztlich die für die Kunst

entscheidende Entdeckung. Nicht Naturwahrnehmung und Ästhetik, sondern Mathematik,

musikalische Notation, Soziologie, Sprache bestimmen fortan den Werdegang der modernen

Kunst und darauf rekurrieren in der Ausstellung die Raster-, Kreis- und Strukturbilder von Walter

Obholzer, Stefan Sandner oder Heimo Zobernig. Letzterer bezeichnete sich mitunter selbst als

Wissenschafter und Martin Kippenberger fügte hinzu: „Es wird heute nicht mehr gemacht,

sondern nur mehr gedacht“. Die Bilder von Walter Obholzer haben etwas Finales und wurden

von ihm bisweilen als Otaku betitelt. Otaku sind Nerds, die abgekoppelt von jeglicher Außenwelt

lediglich in ihrer eigenen Interessens- und Phantasiewelt kreisen. Auch für Siggi Hofer hat der

Kreis, als Kreislauf des Lebens, als Struktur sozialer Systeme etwas Geschlossenes, Unentrinnbares,

und doch öffnet er diesen erneut hin zur Landschaftsdarstellung. Die Farbe, als künstlerische und

politische Metapher für Freiheit, durchquert, durchbricht den geschlossenen Bildraum, den Raum

der Lebenswirklichkeit. Farbe überwindet auch einen nostalgischen Zugang zur Schönheit, wie

er durch das ewige Traumland Italien verkörpert wird, einer Projektion der auch die neoklassizi-

stische Villa Rainer, am Eingang zum romantischen Helenental, ihre Gestalt verdankt.

Sinngemäß schließt sich der Bogen der Ausstellung mit der Darstellung der Mona Lisa, der

geheimnisvollsten Kunstfigur der Renaissance, neu interpretiert von dem Künstlerkollektiv

Gelatin. Konstituiert Verundeutlichung (das Sfumato bei Leonardo da Vinci), abjekte Materiali-

tät (Plastilin bei Gelatin), Uneindeutigkeit, Unebenmaß, Antiästhetik – die moderne Schönheit?

Geht es bei Mona Lisa in erster Linie nicht um die Person an sich, sondern um das dahinterliegende

Informell einer bedrohlichen Landschaft, um das Herz der Finsternis?

„Der leidlich moralische Kulturmensch (wandelt) auf dem gefahrvollen Weg über eine Kruste kaum

erkalteter Lava, die jeden Augenblick durchbrechen und den Unvorsichtigen in heiß lodernde

Abgründe sinken lassen kann.“ (Betrand Russel)